Sojourner Truth Parsons ist eine im Jahr 1984 in Vancouver geborene Künstlerin, die heute in Brooklyn, New York lebt und arbeitet.
Sojourners Malerei ist intensiv und von erstaunlicher Präsenz. Immer wieder läßt sie kraftvolle Farbe langsam in sanftere Pastelltöne übergehen. Schimmer ist ein markantes Detail auf das sie ebenfalls häufig zurückgreift. Wie Collagen wirken ihre Bilder, in welchen sie dem Betrachter wieder und wieder Raum zum atmen schenkt, indem sie dazwischen ruhige schwarze Flächen kreiert, in denen man die Umrisse von Menschen zu entdecken weiß.
Kontraste beleben ihre Kunst noch mehr, dort wo sie Brüche erkennen läßt; sei dies ein konsequenter Farbwechsel, immer wieder diese scharfe Grenze, eine völlig andere Form.
Sojouners Arbeiten strotzen vor Licht, Perlmuttschimmer und leuchtenden Flächen, und von dem Spiel mit Farbe in unterschiedlichsten Abstufungen, manchmal sanft gleitend, manchmal abrupt. Mit Schwarz betont sie einen Kontrast der jedem Werk allzu Spielerisches nimmt. Die Kunst dieser Künstlerin hat Präsenz. Sie ist stark trotz – oder gerade weil – sie eine feminine Handschrift in genau der Weise erkennen läßt, wie es Sojourner beabsichtigt.
Eintauchen in jedes einzelne Werk!
Der Kopf mag den schwarzen Flächen folgen und diese entschlüsseln wollen, unser Herz wölbt sich sehnend dem Bunten entgegen.
„If nobody wants you you’re free“? Maybe noch freier, beseelter und glucksender als das.
Das Lebhafte das in unser allem – von Gewohnheit getragenen – Alltag aufpoppen kann.
Das Rätselhafte um die Existenz jedes einzelnen Individuums.
Wir.
Ich.
Du.
Delve in!
Sojourner Truth Parsons . If nobody wants you you’re free . Esther Schipper Gallery . Berlin . Current exhibition .
BE FREE !
Sojourner Truth Parsons is a Canadian born artist (*1984 in Vancouver), based in Brooklyn, New York.
The artists artwork is intense and of astonishing presence. Repeatedly she lets vigorous color slowly fade into softer pastels. Shimmer is a striking detail to which she also frequently resorts. Her paintings are whispering: “Interesting!“, and give the viewer space to breathe by creating calm black areas in between, reminiscent of collages, in which one we’re able to discover the outlines of people.
Contrasts enliven her art even more, wherever she reveals breaks, be it a consistent change of color, a sharp border, a completely different form.
Sojouner’s works are bursting with light, pearlescent shimmer and luminous surfaces, and with the play of color in the most varied gradations, sometimes gently gliding, every so often abrupt. With the black she emphasizes a contrast that takes away the playfulness of each work. The artwork of this artist is incisive. It is strong despite – or perhaps precisely because of – it reveals a feminine signature in exactly the way Sojourner intends.
Immersion in each individual work .. The mind may want to follow and decipher the black surfaces, our heart arches longingly toward the colorful.
„If nobody wants you you’re free“? maybe even more free, soulful and gurgling with delight, than that.
The vividness that can pop up in everyday life.
The mysteriousness around the existence of every single individual.
We.
Me.
You.
Delve in!
Sojourner Truth Parsons . If nobody wants you you’re free . Esther Schipper Gallery . Berlin . Current exhibition .
Erfrischende Motivik wie einer Kinderzimmertapete oder einem Disney-Movie entsprungen. Die Vögel, das Kaninchen, Lolli und Pop.
Devote Mademoiselles wie von den 50ern und gleichermaßen von Märchen inspiriert, und andere Weibsbilder – einer gleich ganz anderen Zeit.
Prinzessinnen mit Krönchen lenken ab von naiven, frechen und depressiven Blicken. Dominante aufgesetzte Nasen beherrschen jedes Gesicht. Frisuren von Gänseblümchenkränzen gezähmt, verjüngt, verspielt.
Elemente der Nostalgie – kombiniert mit neuzeitlicher Partyszenerie.
Zufriedenheit und Suche. Weichgespült Konkaves und Konvexes, das einen starken Ausgleich in den aufgesetzten Quadraten erhält. Eklektizismus at its best! Ein Stilmix der knallt. Bilder, die uns zahllose Details auf dem Silbertablett präsentieren. Alles: Groß. Stark. Bunt.
Allison macht selbstbewusst auf sich aufmerksam, mit einer Contemporary Art die ihresgleichen vergeblich sucht und deshalb noch umso mehr besticht.
OPEN CASTING
Refreshing motifs as if taken from a nursery wallpaper or a Disney movie. The birds, the rabbit, lolli and pop.
Devote Mademoiselles as if from the 50s and equally inspired by fairy tales, and other females – of an completely different time ..
Princesses with crowns distract from naive, naughty and melancholic glances, and dominant put-on noses master every face. Hairstyles tamed by floral wreaths, playful rejuvenated ..
Elements of sentimentality – combined with modern party scenery. Satisfaction and search. Softly flushed concave-convex, which receives a strong balance in the applied squares.
Eclecticism at its best!
Everything’s big, strong, colorful!
Presented her artwork filled as a cornucopia on a silver platter, Allison draws self-confident attention to herself, with a Contemporary Art that seeks its equal and therefore captivates even more.
Zu finden, diese Ausstellung der US-Amerikanerin, welche erstmals von der Galerie König repräsentiert wird, im Erdgeschoß der St. Agnes. – Dieser fantastischen Kirche im Brutalismus-Stil, die allein schon deswegen hinzugehen lohnt und mit Kunst noch sehr viel besser wird. Imposant der 1. Stock. Ein Traum von Raum nämlich!
Anselm Reyles Skulpturen wie dafür gemacht, indem sie sich im Hochformat präsentieren und bis fast an die Decke in extremer Höhe wachsen. Platz zum atmen für Neonfarben, Lichtröhren, sowie die Unregelmäßigkeiten der einzelnen Bausteine und glatte Spiegelung. Anselms Wandbilder strotzen vor teils beträchtlicher Tiefe.
Eine entertainende Kunst, die sofort Lust darauf macht mit ihr in Beziehung treten zu wollen, Perspektiven auf sie zu verändern, sich verzerrt zu spiegeln, zu spielen, im Kreis zu gehen und dann doch länger stehen zu bleiben.
Eine fröhliche Kunst, wie der Name der Ausstellung („Paradise“) bereits vielversprechend verraten hat und man im Anschluß nicht enttäuscht wird. Leichtigkeit, Licht, nonchalant, weil vielleicht nichts so aufreizend ist wie Gelassenheit in all ihrer perfekten Unperfektheit. Hier vollendet eingefangen dank konsequenter Farbwahl in Grell.
PARADIES
This (Allison Zuckerman) US-American artist, is represented for the first time by Galerie König, in Berlin, on the ground floor of St. Agnes, this fantastic church in Brutalist style, which becomes even much better with art. An imposing 1st floor, an enormous place of a space, and Anselm Reyle’s sculptures, as if made for it, presenting themselves in portrait format and growing almost to these ceiling at an extreme height. Space to breathe for neon colors, light tubes, as well as the irregularities of the individual building blocks and smooth mirroring. Anselm’s artworks on the wall play with considerable depth ..
An entertaining art that immediately makes you want to jump into a relationship with it, to change perspectives on it, to reflect yourself in a distorted way, to play, to walk in circles and then to stop for a longer time.
A cheerful art, as the name of the exhibition („Paradise“) has already promisingly revealed, and you’ll definitely not be disappointed in the aftermath. Expectations fulfilled! Sprezzatura, light, Nonchalance, perhaps because there’s nothing as provocative as serenity in all its perfect imperfection, here magnificently completed thanks to a consistent choice of bright colors.
Kombiausstellungen zweier Künstler bergen immer das Potential eines ganz besonderen Reizes. Schmiegt sich die Kunst beider ineinander als würden zwei Hände ineinander greifen, ergänzt sich damit wunderbar, oder verstärkt sie den Kontrast beider Welten, läßt uns Extreme fühlen, was uns emotional einen unschätzbaren Vorteil, mindestens Genuss verschafft?
Wenn wir alles und jeden im gleichen Maße lieben, können wir zumindest niemals etwas verlieren, weil Bekanntes stets ersetzbar durch Neues bleibt, doch ist es das wert? Und finden wir Platz für beide Welten?
Die GNYP Gallery in Berlin präsentiert in ihrer gerade eröffneten Ausstellung die Skulpturen von Umut Yasat, *1988 in Karlsruhe/GER, und Malerei von Richie Culver, *1979 in Hull/UK.
Richie’s Malerei, die zumeist aus Schriftzügen besteht, bei welcher er sich mit den intensiven Themen Liebe und Tod auseinandersetzt, müssen wir unbedingt im Streiflicht gesehen haben, da jede Leinwand mehr enthüllt, als sie auf den ersten Blick verraten konnte. Aus „Born“ in großen plakativen weißen Lettern auf schwarzem Grund und am oberen Bildrand und am unteren Bildrand „Died“, dazwischen vermeintlich nichts, schwarze Fläche nur, werden „forward“, „for worse“, „for poorer“ und „and in health“.
„I loved you“ im großformatigen Quadrat, wie mit der zittrigen Hand geschrieben, welche verpassten Gelegenheiten nachzutrauern vermag. Schwarz mag bei all den Bildern von Richie als Melancholie oder auch nur Tiefe interpretiert werden. Changierend und damit durchaus an Wasseroberflächen oder den Nachthimmel erinnernd, schenkt jedes Werk einen geheimnisvollen Blick auf die Seele des Künstlers, auch: die Interpretation des eigenen Lebens, oder derer die wir lieb(t)en. Und weil das Leben und die Liebe so bunt und unbegreiflich schön wie schmerzhaft sein können, wird uns subtil, bei aller Schwärze, der Regenbogen, das Feuerwerk in Gedanken hinzugeschenkt. Und einen Bruch erfahren wir, indem wir schließlich „Born“ and „Died“ in Schwarz auf Weiß entdecken.
Noch mehr Farbe finden wir mit Umuts „Stapeln“, derer er sich seit 2014 annimmt. Sein roter Faden hierbei ist, dass jeder einzelne davon an Höhe Umuts eigene Körpergröße widerspiegelt. Durch all die Gegenstände die der Künstler in seine Werke einbindet gewinnen wir auch einen Einblick in sein Leben, in das Leben anderer, in unseres. Wir finden scheinbar Belangloses, was eine große Bedeutung für uns haben kann, weil es etwas in uns berührt, eine Erinnerung schenkt, Vergangenes zurückholt, oder wir fühlen uns in der Gegenwart ertappt, ermahnt, belustigt. Wir sehen uns mit Kuscheltieren genauso konfrontiert, wie mit schlichten Aufbewahrungboxen, Musikinstrument, fröhlichen Luftballons, Stühle, Pflanzen, verbindendem Tape, und damit einen Lebensabschnitt zusammengeschnürt ..
In Umuts Kunst finden wir unser aller Leben, unsere einstigen oder heutigen Lieblingsobjekte, ehemalige Jobs und neue Perspektiven. Wir werden dazu eingeladen diese Stapel, mehransichtig wie sie sind, von allen Seiten zu betrachten und dies auf unser aller Leben zu übertragen. Beleuchten, erforschen, einer der Ausstellungsräume soll bewusst ohne Licht gezeigt werden .. Und möchten wir im Hochformat seiner Skulpturen das Verlangen nach Wachstum, ein Streben nach immer mehr erkennen?
Richie’s Kunst – und damit verbindend mit Umuts – ist ebenfalls das Leben selbst. Das Leben, die Liebe darin, und vielleicht eine Aufforderung es, beides, so zu tun, als hätte jemand das Gatter offen gelassen, weil doch alles irgendwann vergeht, – auf die ein oder andere Weise vergänglich ist?
It’s life. It’s love. It’s a rainbow.
It‘s a Rainbow
Exhibitions of two artists always bear the potential of a very special charm. Seen last Summer at Fondation Louis Vuitton à Paris with Monet – Mitchell, and many others followed since. Does the art of both nestle into each other as if two hands were connected, thus complementing each other’s art in a wonderful, magical way, or does it intensify the contrast of both worlds, making us feel extremes, which gives us an inestimable advantage emotionally, at least pleasure?
If we love everything and everybody to the same extent, we can at least never lose anything or anybody, because what and who is known, always remains replaceable by what and who is new, but is it worth it? And can we find room for both worlds?
GNYP Gallery in Berlin presents in its just opened exhibition the sculptures of Umut Yasat, *1988 in Karlsruhe/GER, and paintings of Richie Culver, *1979 in Hull/UK.
Richie’s paintings, mostly consisting of lettering, where he deals with the intense themes of love and death, we absolutely should enjoy in grazing light, as each canvas reveals more than is seen at first sight. „Born“ in large striking white letters on a black background at the top of the canvas, and at the bottom „Died“, supposedly nothing in between, black space become „forward“, „for worse“, „for poorer“ and „and in health“.
The „I loved you“ large-format square, as if written with a shaky hand, which mourns missed opportunities. Black may be interpreted as melancholy or even depth in all of Richie’s paintings. Shimmering and thus quite reminiscent of water surfaces or the night sky, each work gives a mysterious glimpse of the soul of the artist, the interpretation of our own life, or those we once love(d), too. And because life and love can be as colorful and incomprehensibly beautiful as painful, subtly added, despite all the blackness, the rainbow and the fireworks in thought, at which point we finally discover Richie’s „Born“ and „Died“ in black on white.
We find even more color with Umut’s „Stacks,“ which he has taken on since 2014. His common thread here is that each one of these artworks reflects Umut’s own height. Through all the objects we gain insight into the artists life, into the lives of others, into ours as well. We find seemingly trivial things that can have a great meaning for us, because they touch something in us, bring back the past, or we feel caught in the present, admonished, encouraged, amused. We see ourselves confronted with cuddly toys as well as plain storage boxes, musical instrument, cheerful balloons, chairs, plants, connecting tape, and thus a period of life manifold laced together …
In Umut’s art we find him, her, us, – former or present favorite objects, former jobs and new perspectives. We are invited to look at these stacks, multi-view as they are, from all sides and apply this to all our lives. Explore, illuminate, one of the exhibition spaces will be deliberately shown without light … And would we like to recognize in the vertical format of his sculptures the desire for growth, a striving for more?
Richie’s art – and thus connects with Umut‘s – is life itself. Life, the love in it, and perhaps the demand to do it, both, as if someone had left the gate open.
After all, everything eventually passes away and is ephemeral in one way or another?
It’s life! It’s love! It’s a rainbow!
Current Exhibition: Richie Culver & Umut Yasat : The Path of Least Resistance . GNYP Gallery . Berlin . Knesebeckstrasse 96 .
Zugegeben, Kunst im Museum fühlt sich so richtig merkwürdig an, wenn man gerade erst von einem Abenteuer in purer, voller Natur zurückgekehrt ist. Echte Natur ist anders, sie läßt sich fühlen, reißt dich körperlich mit, riecht, duftet, und du spürst den Wind um die Nase, in deinen Haaren, kannst vollkommen eintauchen, hast angepackt, dreckige Hände bekommen, Blut und Tränen geschwitzt vielleicht, dich eingelassen und bist anschließend erschöpft im Gras gelandet.
Kunst im Museum, und nun schreibe ich über Julius von Bismarck, *1983 in Breisach am Rhein, Nasan Tur, *1974 in Offenbach und das Künstlerduo Böhler & Orendt, ist anders! Sie ist vielleicht der Wegweiser dafür, es öfter draußen zu probieren als drinnen, oder nur ausschließlich auf der Terrasse des Lieblingscafes zu verweilen, und dem, von Autolärm übertönten, Rauschen der Stadtbäume lauschen zu wollen. Statt nur zu wollen, zu machen! Gerade als Großstädter.
Bei Julius können wir in einem der dunklen Ausstellungsräume auf großen Stoffkissen liegen und dem Bildschirmgeschehen an der Decke folgen: Nahaufnahmen eines Laubbaumes und das Spiel des Windes darin. Je intensiver wir eintauchen, desto mehr schenkt uns die Erinnerung den Geruch dazu. Dieser Raum bringt in uns herunter, was uns im ersten Raum vielleicht aufgewühlt hat: Ein großer Saal mit weit voneinander platzierten vier toten Waldtieren. Hier stellt Nasan mit seiner aktuellen Ausstellung die Frage in den Raum warum der Mensch tötet? Und wie viel Gewalt der Mensch an sich in sich trägt, die wann wie getriggert sich entlädt oder entladen kann. Zum Akt des Tötens interviewte er Jäger. Als ehemalige Bundepolizistin, die zwanzigjährig ihren Jagdschein zu machen begonnen hatte, habe ich darauf vielleicht einen Blick wie er verurteilenswürdig für Besucher gerade dieser Ausstellung erscheint. Sehr viel wichtiger erscheint mir daher die Message, dass die stattfindenden Ausstellungen in der Berlinischen Galerie, nach ihrer monatelangen Schließung, gerade aktuell besonders sehenswert sind.
Julius wartet genauso mit Themen auf, die unsere Umgebung, Natur und Tiere betreffen. Metergroße Skulpturen aus Metall, von der Decke hängend und in Form von Pflanzen, so flach, als wären diese für ein Poesiealbum geplättet worden. Eine lebensgroße Giraffe und eine verkleinerte Version des Reiterdenkmals Otto von Bismarck. Beide „geschnitten“, in Brüchen präsentiert und nicht so ganz im Ganzen gelassen. Uns soll damit unser gespaltenes Verhältnis zur Natur aufgezeigt werden. Wir lieben und nehmen von ihr und lassen sie gleichzeitig gehen? Geh’ doch raus in die echte Natur? Regional, saisonal, zu haben ist was jeweils verfügbar ist und das Leben anderer ist nicht unser Wunschkonzert. Animals are as free as the wind if not held in zoos and stables .. ? What is a happy animal about?
A different approach takes Böhler & Orendt. It’s kind of a very funny atmosphere you’ll enjoy if you enter their two rooms. A apelike man is like in Gulliver’s Travels placed on the ground, fixed with small tools and used as a resource from smaller forces. Loved the fact very much that the museum’s wall got included in the presentation, too.
The scene itself is playful and filled with childish wit and cute irony. In the second room you’ll be flashed by large paintings in bright colors and leaflike shape, and curious about the exciting object in the middle. Everything is mysterious and tempting. You’ll love to explore, hush-hush get up the stairs! inside the capsule, and start listening amused to the spooky ghostlike chorus, presented by lovely creatures of that you’re invited to walk around them. Hier wird unsere Erde von Gefahr und Furcht befreit. Beschwörend! Don’t leave! Summer in the city? Not for he, she, me. Naturliebe!
Pacha Mama
Admittedly, art in a museum feels really strange when you’ve just returned from an adventure in pure, full nature. Real nature is different, it can be felt, pulls you along physically, smells, and you feel the wind around your nose, in your hair, can immerse yourself completely, have worked, grabbed, got dirty hands, sweated blood and tears perhaps, let yourself in and landed exhausted in the grass afterwards.
Art in the museum, and now I am writing about Julius von Bismarck, *1983 in Breisach am Rhein, Nasan Tur, *1974 in Offenbach and the artist duo Böhler & Orendt, is different! It is perhaps the request for trying it outdoors more often than indoors, or to linger exclusively on the terrace of one’s favorite café, trying to listening to the rustle of the city trees, drowned by the noise of cars. Instead of wanting to do, to do! Especially as a big city dweller.
Joining Julius‘ art, we can lie on large fabric cushions in one of the dark exhibition rooms, and follow the on-screen action on the ceiling: Close-ups of a deciduous tree and the wind in it. The more intensively we immerse ourselves, the more our memory will give us the smell of it. This room cools down in us what may have troubled us in the first room: A large hall with four dead forest animals placed far and lonesome from each other. Here, Nasan’s current exhibition poses the question of why man kills? And how much violence man carries in himself, which can be discharged and unloaded when and how triggered. On the act of killing, he interviewed hunters. As a former federal police officer, who started to make her hunting license at the age of twenty, I might have a view on it as it seems condemnable for visitors of this very exhibition. Much more important to me, therefore, is the message that the exhibitions taking place at the Berlinische Galerie in Berlin, after being closed for months, are especially worth seeing right now.
Julius also offers themes that concern our environment, nature and animals. Meter-sized sculptures made of metal, hanging in the shape of plants from the ceiling, so flat as if they had been flattened for a poetry album .. A life-size giraffe and a scaled-down version of Otto von Bismarck’s equestrian monument. Both „cut“ and not quite left whole. The intention is to show us our ambivalent relationship to nature. We love and take from it, and at the same time let it go. Why not go out into real nature? Regional, seasonal, to have what ever is available at the time, in your place, and the life of others is not our request programme. Animals are as free as the wind if not held in zoos and stables .. What is a happy animal about?
A different approach takes Böhler & Orendt. It’s kind of a very funny atmosphere you’ll enjoy if you enter their two rooms. A apelike man is like in Gulliver’s Travels placed on the ground, fixed with small tools and used as a resource by smaller forces. Loved the fact very much that the museum’s wall got included in the presentation, too. These two tiny tidy little damages ..
The scene itself is playful and filled with childish wit and cute irony. And in the second room you’ll be flashed by large paintings in bright colors and leaflike shape, curious about the exciting object in the middle. Everything is mysterious and tempting. You’ll love to explore, rush-rush get up the stairs! inside the capsule, and, hush-hush, start listening amused to the spooky ghostlike chorus, presented by lovely creatures of that you’re invited to walk around them. Hier wird unsere Erde von Gefahr und Furcht befreit (German. Invited to google!).
Beschwörend! Don’t leave! Summer in the city? Not for he, she, me. Naturliebe!
Berlinische Galerie . Berlin .
Julius von Bismarck . When Platitudes Become Form .
Böhler & Orendt . The Sweet Certainty .
Nasan Tur . Hunted .
For videos about the exhibition, look at the stories on my IG: artis_ceejay
I‘m very thankful for the wonderful job opportunities in Berlin recently were offered to me.
Appreciate it a lot, and I‘m sure you‘ll find/found and pick(ed) the best person for the job, every single time.
I‘d love to mention that I‘ve got a huge soft spot for the (contemporary) art, artists and the art market in the U.S., too, and so – if it comes to auction-houses and galleries – I’m looking for galleries and auction-houses, if based in Europe/Berlin that represent American artists and American art as well. ( – In the best case have a dependance in the U.S. (In the very best case in NY or LA.))
